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Danseurs Borghèse

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Marcella Borghese Princess, 90 ans, a lancé une ligne de cosmétiques

La princesse Marcella Borghese, une mondaine italienne qui a créé sa propre ligne de cosmétiques de luxe, est décédée le 19 janvier à son domicile de Montreux, en Suisse, a annoncé aujourd'hui sa famille. Elle avait 90 ans.

Elle est enterrée dans la crypte familiale de la basilique Santa Maria Maggiore à Rome.

La princesse Borghese, née Marcella Fazi, a rejoint la famille noble romaine en 1937 avec son mariage avec le prince Paolo Borghese, duc de Bomarzo. Le prince, décédé en 1985, était le descendant d'une famille qui a produit un pape - Paul V - ainsi que le parc public le plus célèbre de Rome et l'une de ses plus belles galeries d'art, la Galleria Borghese.

En 1958, la princesse Borghese a utilisé ses propres recettes de cosmétiques pour lancer la princesse Marcella Borghese en tant que filiale du géant des cosmétiques Revlon.

La gamme, comprenant des produits pour la peau et du maquillage coûteux ainsi que des soins de spa, est vendue dans certains des grands magasins les plus exclusifs. Revlon a vendu la société à des investisseurs saoudiens en 1991.

La princesse Borghese&# x27s titre a été accordé à la famille par Paul V.

La princesse est restée impliquée dans la ligne jusqu'à récemment, a déclaré son fils, Livio Borghese, lors d'un entretien téléphonique depuis New York. "Elle n'a jamais vraiment quitté l'entreprise", a-t-il déclaré.

La princesse laisse dans le deuil deux fils, Livio et son jumeau, Francesco Borghese, une fille issue d'un premier mariage, Anita Mauritzi de Rome et sept petits-enfants.


Bernini, Borghese et l'essor de la Rome baroque : 6 chefs-d'œuvre du Bernin à la Villa Borghese

Rarement dans l'histoire de l'art une relation mécène et artiste n'a été aussi fructueuse que celle du jeune Gianlorenzo Bernini et du puissant cardinal Scipione Borghese. Le Bernin était l'une de ces figures de l'histoire qui semblaient être nées pour la grandeur. Destiné à devenir le sculpteur le plus célèbre de sa génération et à forger à son image le paysage urbain de la Rome baroque, c'est dans la somptueuse villa suburbaine de Scipione Borghese que le jeune artiste s'est fait connaître pour la première fois.

Entré dans le monde le 7 décembre 1598 à Naples, où son père florentin était sculpteur à la cour, la famille s'installe dans la Ville éternelle alors que Gianlorenzo avait 7 ou 8 ans pourrait être l'un des déménagements les plus importants de l'histoire de de l'art. Camillo Borghese venait de monter sur le trône de Saint-Pierre sous le nom de Paul V, et des artistes de partout affluèrent à Rome dans l'espoir de son patronage. Le très respecté Pietro Bernini était parmi eux et trouva bientôt du travail à la cour papale.

Imprégné dès son plus jeune âge des ateliers et chantiers de Rome, le presque incroyablement précoce Gianlorenzo sculptait déjà des œuvres alors qu'il n'avait que 8 ans. Annibale Carracci aurait été ému de remarquer que Bernini avait atteint un niveau de capacité dans l'enfance où la plupart seraient ravis d'être au sommet de leur carrière, tandis que l'amateur d'art et futur pape Maffeo Barberini a averti Pietro que son fils dépasserait bientôt son maître. La réponse immortelle de Pietro était celle d'un père aimant - &lsquoit n'a pas d'importance, car dans ce cas, le perdant gagne.&rsquo

C'est dans les collections du puissant cardinal neveu du pape Scipione Borghese que le Bernin s'épanouit véritablement pour la première fois, l'admiration du connaisseur raffiné lançant le Bernin encore adolescent sur la voie de la célébrité. Bernini sculpterait certaines des sculptures les plus excitantes, originales et audacieuses que le monde ait jamais vues dans la Villa Borghese. Son interprétation unique de la mythologie antique et sa conception révolutionnaire de l'espace tridimensionnel ont inauguré un tout nouveau langage de l'art, lançant l'âge d'or du baroque. Découvrez les magnifiques sculptures du Bernin dans la Villa Borghèse avec notre guide en ligne !

Si notre guide vous incite à en savoir plus, n'oubliez pas de consulter notre visite virtuelle de la Villa Borghese où l'historienne de l'art Federica vous emmène dans un voyage en profondeur à travers l'histoire et les œuvres d'art de la collection Borghese, des chefs-d'œuvre du Bernin aux emblématiques œuvres de Raphaël, Caravage et plus encore.

Portrait du pape Paul V, v. 1618

Sculpté en 1618 alors que le Bernin n'était encore qu'un adolescent, ce buste du pape Paul V, Camillo Borghese, illustre l'entrée précoce de l'artiste dans les cercles raréfiés du mécénat papal. L'histoire de la façon dont Bernini a annoncé pour la première fois son talent précoce à la scène artistique romaine est l'une des grandes histoires d'origine artistique. Son père était venu à Rome pour travailler sur des commandes papales pour le pape Borghèse, y compris sa chapelle à Santa Maria Maggiore, mais l'incroyablement jeune Gianlorenzo a fait une plus grande impression immédiate dans les cercles raréfiés des connaisseurs romains.

Déjà le toast de grandes figures comme le cardinal Maffeo Barberini (le futur pape Urbain VIII) avant d'avoir atteint son 9e anniversaire, le Bernin insatiablement curieux et ambitieux aurait passé trois années entières de son enfance au Vatican à peindre et à esquisser ses collections, allant à école sur les sculptures antiques comme le Laocoon et Apollo Belvedere.

C'est là que s'est développée sa connaissance personnelle du pape, pour qui il a sculpté ce portrait extrêmement expressif mais austère alors qu'il n'avait que 19 ans. son statut comme l'un des princes les plus puissants du monde. Il est vêtu de vêtements richement sculptés avec les figures de Saint Pierre et Paul.

Aussi impressionnant qu'il soit, surtout compte tenu des années tendres du Bernin lorsqu'il l'a sculpté, le portrait de Paul V semble conventionnel et banal par rapport aux œuvres que l'artiste créera au cours des prochaines années pour le neveu plus grand que nature du pape Scipione .

Enée, Anchise et Ascagne fuyant Troie, 1619

Enchevêtrement de corps chancelants et tordus, l'Énée précaire fuyant Troie est la première œuvre majeure que le Bernin produira pour le tout puissant cardinal Borghèse. L'histoire vient de l'épopée romaine de Virgile L'Énéide, une histoire qui a occupé une place importante dans la mythologie de la Ville éternelle : selon la mythologie romaine antique, alors que le héros Énée fuyait sa Troie natale au dénouement des guerres de Troie, les vents du destin ont pris lui vers les côtes italiennes où il a finalement fondé Rome. Le sujet avait une noble tradition dans l'art italien, Raphael le décrivant de manière anachronique dans sa fresque du Vatican. Le feu dans le Borgo.

L'Énée du Bernin est jeune et belle, ressemblant de façon frappante au Christ ressuscité de Michel-Ange dans Santa Maria Sopra Minerva. Suivent son père vieillissant Anchise, vêtu d'un duncher rustique, que notre jeune héros porte en sécurité sur ses robustes épaules, et son fils Ascagne, qui chancelle consciencieusement derrière.

La composition semble au premier abord quelque peu maladroite, sa forme serpentine imposante n'est pas une interprétation totalement réussie du magistral Viol de la Sabine de Giambologna à Florence. Mais même si la première tentative du jeune Bernin pour une composition narrative monumentale ne fait pas tout à fait mouche, les détails virtuoses laissent présager ce qui va arriver : cherchez le merveilleux contraste entre la figure enseignée et puissante d'Énée et la silhouette étirée et affaissée peau de son père âgé, qui s'accroche désespérément aux dieux domestiques qu'ils ont réussi à sauver de leur maison détruite à Troie.

Pluton et Perséphone, 1621-2

Le prochain travail mythologique à grande échelle que Bernini a produit pour Scipione a marqué un saut quantique dans son développement en tant que sculpteur. Dans le Pluton et Perséphone, créé entre 1621 et 1622, le jeune sculpteur pousse les limites matérielles du marbre jusqu'au point de rupture et au-delà, travaillant la pierre inflexible aussi facilement que s'il s'agissait de la pâte la plus élastique. L'ensemble présente également magnifiquement la capacité de développement du Bernin à transformer des récits complexes en groupes sculpturaux capables de raconter des histoires entières en un seul instant.

Cette extraordinaire sculpture en ronde-bosse raconte l'histoire troublante de Pluton, dieu redoutable des enfers, et du condamné Perséphone, dont le destin est enfermé dans une sombre histoire de violence, de luxure et d'enlèvement. Tentant d'apercevoir Perséphone - la jolie fille de la déesse de l'agriculture Déméter - gambader dans un pré, l'amoral Pluton décide d'en faire de force sa femme à tout prix.

Le Bernin reprend le drame après que le dieu des enfers a emporté le jeune Perséphone dans ses bras charnus, se dirigeant déjà délibérément vers son royaume souterrain alors que sa victime se débat inutilement dans son emprise divine. Perséphone pousse en vain le visage avide et avide du dieu perplexe alors que ses cheveux sont fouettés par un vent invisible, son visage un portrait horrible de terreur et de désespoir.

Dans l'un des grands détails virtuoses de l'histoire de la sculpture, les doigts épais de Pluton s'enfoncent dans la cuisse de Perséphone, le marbre pierreux transformé en chair tendre grâce à l'habileté surnaturelle du Bernin. Seul un voyage autour de l'intégralité de la sculpture révèle toute la gravité de l'instant - révélé aux pieds de Pluton est le chien à 3 têtes Cerbère, gardien des Enfers. Perséphone vient d'être transportée au seuil d'Hadès, et il n'y a pas de retour en arrière - son destin est scellé en tant que déesse réticente du royaume de la mort.

Mais comme le dit le mythe, il y avait au moins un peu de lumière au bout du tunnel pour Perséphone brutalement enlevé. Grâce aux imprécations de sa mère, qui refusait de laisser les récoltes fructifier jusqu'à ce qu'elle obtienne justice, Perséphone a été autorisée à retourner au pays des vivants chaque printemps - annonçant la croissance et la nouvelle vie de la saison. Perséphone annuel contraint de retourner dans l'Hadès a marqué par contraste le début de l'hiver, un moment à jamais immortalisé dans le marbre majestueux du Bernin.

Apollon et Daphné, 1622-5

Il a dû sembler à ses contemporains que le Bernin avait atteint un niveau de perfection dans la transformation de l'ancien récit mythologique en sculpture avec le Pluton et Perséphone ce serait impossible à égaler. Et pourtant, le jeune maître ne faisait que commencer. Ravi du groupe Pluton, le cardinal Borghèse décide d'en faire un cadeau politiquement astucieux au nouveau neveu du pape, le copain du Bernin Ludovico Ludovisi (la sculpture ne sera restituée à la Villa Borghèse qu'en 1908). Scipione était convaincu, semble-t-il, que Bernini pouvait faire mieux.

Pour remplacer la sculpture qu'il avait donnée, Borghese a chargé Bernini de produire un autre groupe mythologique, représentant cette fois l'histoire de Apollon et Daphné, racontée dans les Métamorphoses d'Ovide. Le mythe raconte comment le méchant Cupidon transperça Apollon avec l'une de ses flèches, faisant tomber le dieu amoureux de la belle nymphe Daphné. En même temps, il transperça Daphné d'une flèche, la faisant détester l'Apollon amoureux, mettant en branle une danse vouée au désir et à la répulsion.

Bernini reprend l'action à son moment crucial. Apollo (dont les traits sont inspirés de l'Apollo Belvedere au Vatican) - jeune, beau et vêtu seulement d'une cape légère tourbillonnant autour de son corps - poursuit Daphné à travers les bois, leur marbre forme un tourbillon de vitesse et de mouvement. « Alors couraient le dieu et la fille », écrit Ovide, l'un rapide dans l'espoir, l'autre dans la terreur. La nymphe est rapide, mais pas de taille pour le dieu &lsquoborné sur les ailes de l'amour.&rsquo

Daphné sent son poursuivant gagner du terrain, &lsquo ombrageant son épaule, respirant sur ses cheveux ruisselants.&rsquo En la regardant, on sent presque le souffle chaud du dieu sur Daphné&rsquo les tresses extraordinairement sculptées. Désespérée, Daphné implore son père, un dieu des rivières, de la sauver de son destin : &ldquoOh aidez-moi, s'il y a du pouvoir dans les rivières, changez et détruisez ce corps qui a donné trop de plaisir.&rsquo

Aussitôt dit, aussitôt fait : juste au moment où les doigts d'Apollon se referment autour de la taille de Daphné, son corps commence sa bizarre transformation en laurier. Ses doigts poussent des feuilles, ses orteils prennent racine et sa chair se transforme en écorce. Son vol rapide a été soudainement arrêté dans un moment de métamorphose, dans une incompréhension abasourdie d'Apollon. Daphné, pour sa part, se retourne avec horreur et surprise mêlées au début de sa transformation soudaine, non plus la belle femme qu'elle était autrefois mais pas encore l'arbre inerte qu'elle allait devenir - une fraction de seconde capturée et figée pour toujours dans Bernini&rsquos marbre extraordinairement fluide.

Selon les normes souvent horribles du mythe ovidien, l'histoire a quelque chose d'une fin heureuse. Apollon continue de prodiguer son amour à Daphné désormais bien enracinée, embrassant les branches et embrassant le bois, caressant l'écorce sous laquelle il croit encore sentir les faibles battements du cœur de la nymphe. Incapable de posséder Daphné, Apollon jure de faire du laurier son arbre et son symbole, et exige que les vainqueurs romains portent des couronnes de laurier dans leurs processions triomphales dans les temps à venir.

Le choix du sujet était audacieux à l'extrême : il avait rarement été tenté en sculpture, moment métamorphique clé considéré comme totalement inadapté aux limites de la sculpture sur marbre, un art spatial incapable de produire des récits reposant sur le développement temporel. Mais le jeune Bernin n'a vu une opportunité que là où d'autres voyaient des problèmes et a réussi à donner vie à son marbre, déplaçant le monde de la sculpture du domaine de l'espace au domaine du temps d'une manière qui n'a peut-être jamais été égalée auparavant ou depuis.

David, 1623-4

Si le Bernin précoce relevait consciemment le défi de Raphaël dans son premier groupe d'Énée, la dernière sculpture narrative épique qu'il a produite pour Scipione Borghese l'a vu viser encore plus haut dans sa tentative de se tailler une place dans le plus haut niveau de artistes italiens. La figure du David biblique tuant le Goliath apparemment immortel avait déjà produit deux des plus grands chefs-d'œuvre jamais essayés en sculpture : le héros emblématique de Michel-Ange contemplant la tâche qui l'attendait et la jeunesse triomphante et délicate de Donatello reposant sur la tête fraîchement coupée du géant.

Contrairement à Michel-Ange, héros distant ou Donatello, louche et charmante jeunesse, Bernin, David, est une figure solide et sans fioritures. Contrairement à l'Énée antérieure, David est loin d'être une imitation générique d'un prototype antérieur et respire la personnalité individuelle. Ses sourcils froncés se hérissent avec intensité et il se mord la lèvre supérieure avec une concentration féroce. Alors que Donatello et Michel-Ange ont opté pour les instants précédant et suivant le combat, Bernini a opté pour la jugulaire dramatique. Ici, David est représenté au milieu de sa lutte titanesque, prêt à déchaîner la fronde qui va abattre son redoutable ennemi. Et nous semblons être pris dans la ligne de mire.

Dans une pièce fantastique d'invention spécifique au site, lorsque le spectateur entre dans la pièce dans laquelle David est logé, nous réalisons rapidement qu'il lance une attaque contre une silhouette invisible derrière nous, nous plaçant en plein milieu de l'action. Les critiques selon lesquelles Bernini a chargé la fronde de David à l'envers, bien que certainement exactes, semblent plutôt pédantes à la lumière de l'inventivité révolutionnaire de la sculpture.

Le David devait être la dernière grande sculpture narrative que le Bernin sculpta pour Borghèse, marquant la fin de cette première phase glorieuse de sa carrière. Le sculpteur ami et soutenu Maffeo Barberini, dont on disait qu'il tenait un miroir pour le Bernin pour lui permettre de sculpter ses propres traits dans le visage du David, avait été élu pape Urbain VIII et avait l'intention de tirer pleinement parti de son jeune protégé. . Le Bernin allait bientôt devenir le plus grand artiste de cour que l'Europe ait jamais vu - mais il n'a peut-être jamais dépassé les magnifiques œuvres lyriques qu'il a créées pour Scipione Borghese dans sa spacieuse villa romaine.

Portrait du Cardinal Scipione Borghèse, 1632

L'énergie vitale de l'homme qui a donné vie à la magnifique Villa et qui a eu la clairvoyance de voir dans le Bernin un talent qui a marqué l'époque a été capturée avec une vivacité extraordinaire dans deux bustes sculptés par l'artiste en 1632, maintenant à l'apogée de ses pouvoirs . Occupé au travail sur les commandes épiques commandées par le pape Urbain VIII, ce sera la dernière œuvre que le Bernin sculptera pour son premier grand mécène. Et c'est saisissant.

Les traits marbrés du cardinal puissant et intelligent brillent positivement d'une vie intérieure saisissante et d'une profondeur psychologique : son regard pénétrant est clairement celui de quelqu'un habitué à être obéi, tandis que les rides subtiles de son visage dodu sont extraordinairement réalistes. Contrairement aux portraits statiques et révérencieux d'une époque antérieure, le Bernin semble avoir surpris Borghèse au milieu d'un discours, comme s'il tournait simplement la tête pour faire une remarque.

Pour capturer la véritable essence du Cardinal, Bernini a apparemment adopté une approche entièrement nouvelle de la préparation. Au lieu de faire asseoir Borghese pour lui, l'artiste a suivi Scipione afin de déterminer exactement ce qui rendait le cardinal unique, en faisant des croquis improvisés de lui dans le processus. Le dévouement du Bernin a porté ses fruits, produisant l'une des plus belles sculptures de portraits jamais créées.

Cependant, la sculpture de cette œuvre magistrale était toute simple. Alors que le buste approchait de son achèvement, Bernini découvrit à son grand désarroi qu'un défaut dans le marbre était apparu, courant sur tout le front du cardinal. Sans se laisser décourager, l'artiste s'est mis au travail sur une nouvelle version qu'il a achevée dans un laps de temps extraordinairement court.

Toujours le showman, Bernini a dévoilé la première version à Borghese, qui s'est efforcé vaillamment de cacher sa déception devant la ligne défigurante à travers la tête. Au bon moment, le Bernin a dévoilé la deuxième version sans tache de la joie non dissimulée du Cardinal, car «le soulagement est plus satisfaisant lorsque la souffrance a été la plus grave», a raconté le biographe du Bernin, Filippo Baldinucci. Aujourd'hui, les deux œuvres se côtoient dans la Galerie, vous pouvez donc les comparer !

Through Eternity propose une gamme de visites de la Villa Borghèse à Rome. Nous proposons également un itinéraire virtuel qui vous permet d'explorer les chefs-d'œuvre de la Villa Borghese depuis chez vous. Continuez le voyage avec nous !


Vous vous souvenez du plaisir ? Voici une brève histoire des meilleures fêtes de mémoire récente

Une galerie coquine de bons vivants se souvient de leurs soirées les plus mémorables en ville.

Jay McInerney, romancier

L'une des meilleures soirées auxquelles j'ai assisté était une fête à la maison de ville de George Plimpton sur la 72e rue Est. Je suppose que c'était la chute de &rsquo83. Pour un étudiant diplômé qui vient de prendre le train depuis Syracuse, c'était le nirvana&mdash rempli d'écrivains, d'acteurs et d'artistes célèbres. George m'a présenté William Styron, Gay Talese et Robert Stone. J'ai joué au billard avec Plimpton et sniffé de la coke avec Truman Capote, qui m'a donné des conseils d'écriture et a essayé de me draguer.

Rick Miramontez, chef de piste de Broadway

Dans les premières années, nos soirées Tony après les heures d'ouverture se limitaient à une grande suite glamour à l'hôtel Carlyle. Lorsque nous l'avons dépassé, nous avons commencé à investir les espaces publics de l'hôtel, comme le Bemelmans Bar et le Café Carlyle. Chaque année, le défi consiste à rendre les espaces du rez-de-chaussée aussi excitants et sexy que la suite. Ainsi, lorsque nous avons planifié notre soirée 2018, j'ai demandé à Andrew Lloyd Webber (un récipiendaire de Tony ce soir-là) s'il était prêt à DJ le café. Andrew organise parfois ces soirées musicales légendaires dans son domaine de campagne, Sydmonton, pour tout le monde, de la reine Elizabeth à Dame Shirley Bassey. Les nuits les plus folles, il se met derrière les platines et tourne jusqu'à toutes les heures, alors je savais qu'il était un novice. Il a gracieusement accepté, et les gens sont devenus fous pour ça ! À un moment donné, il a commencé à jouer le vieil air de Brian Hyland &ldquoItsy Bitsy Teenie Weenie Yellow Polkadot Bikini&rdquo & rdquo et j'ai vu Nathan Lane attraper son Tony et Glenda Jackson par le bras et la précipiter sur la piste de danse, et je me souviens avoir pensé, c'est le la plus grande fête de tous les temps !

Carolyne Roehm, décoratrice

Chaque instant du 70e anniversaire de Malcolm Forbes au Maroc a été mémorable. Nous sommes arrivés dans cet hôtel qui venait d'ouvrir pour la fête, et il n'y avait pas de climatisation. Vous le croiriez : vous vous promenez dans les couloirs et voyez Barbara Walters, Bill Buckley, Gianni Agnelli, et nous étions tous en sueur ! Henry [Kravis] est sorti pour essayer de trouver des fans, puis nous avons eu cette idée d'obtenir un gros morceau de glace et de mettre le ventilateur contre la glace et ils font ça en Inde, vous savez. Je pouvais dire que ça allait être l'une des meilleures soirées de ma vie, mais, oh, l'assortiment de personnes que vous avez vues se sont presque déshabillées jusqu'à leur culotte parce qu'elles étaient si chaudes !

"Un gâteau d'anniversaire surmonté de 60 phallus en pâte d'amande a été sorti pendant que Mick Jagger chantait 'I Can&rsquot Get No Satisfaction.'"

Bob Colacello, journaliste

La fête la plus extravagante à laquelle j'aie jamais assisté, j'ai été à quelques-uns des plus importants, c'était le prince Johannes von Thurn und Taxis, fête du 60e anniversaire de trois jours en 1986 dans son château de 500 chambres à Ratisbonne, en Bavière. Le thème était le XVIIIe siècle. La princesse Gloria portait l'un des diadèmes de Marie-Antoinette, Alfred Taubman et John Gutfreund ressemblaient à des ducs dans leurs perruques poudrées, et les robes de Lamia et Nabila Khashoggi étaient si énormes qu'elles se sont retrouvées coincées dans un virage de l'escalier et ont dû être coincées par leur nu -les préposés à la poitrine. Le week-end a démarré en trombe avec une croisière l'après-midi sur le Danube, au cours de laquelle un gâteau d'anniversaire surmonté de 60 phallus en pâte d'amande a été sorti pendant que Mick Jagger chantait &ldquo(I Can&rsquot Get No) Satisfaction.» Politiquement correct, ce n'était pas.

George Wayne, auteur

La fête la plus fabuleuse de tous les temps ? Je n'ai même pas à réfléchir à la question. En 1992, Barbara Davis et son mari milliardaire de Los Angeles, Marvin, ont organisé le plus grand gala de charité d'Amérique, le Carousel Ball. Je ne l'oublie jamais, car c'était ma première fois en présence d'un FLOTUS, et parce que je me souviendrai toujours de l'expression perplexe de Nancy Reagan lorsque nous avons aperçu le bijoutier Kenneth Jay Lane en train de doigter littéralement le bol de caviar pour son tout dernier œuf.

Cameron Silver, fondateur de Décennies

Je ne sais pas si c'était la musique palpitante du DJ set de Mark Ronson, l'abondance de tequila ou la foule d'artistes internationaux en sueur tourbillonnant sous une tente à Mexico à minuit, mais Eugenio López&rsquos Museo Jumex qui ouvre en 2013 est mon choix pour le plus grand partie jamais. Je portais un masque de diable en papier mâché sur mon front du musée Frida Kahlo qui n'est jamais rentré chez moi avec moi. Je ne suis peut-être pas allé au Studio 54, mais Eugenio m'a donné l'impression que Bianca Jagger pouvait entrer sur un cheval blanc à tout moment.

Geordon Nicol et Leigh Lezark, DJ

Lorsque vous êtes dans le domaine des fêtes, il est difficile de n'en choisir qu'une, mais l'un des plus grands de tous les temps a été lorsque Madonna s'est arrêtée à notre fête, les MisShapes chez Luke & Leroy dans le West Village [fermé depuis]. C'était en 2005, les smartphones n'étaient pas partout, les réseaux sociaux n'avaient pas ruiné la vie nocturne et l'apparition de Madonna n'était pas annoncée. Elle a joué &ldquoBurning Up&rdquo et &ldquoInto the Groove&rdquo et DJ&rsquod avec son producteur Stuart Price pour un club d'une capacité de moins de 300. C'était très personnel, très vieux New York, et probablement le plus proche que nous ayons jamais eu du Studio 54. Des moments spontanés comme qui sont rares.

Bevy Smith, animatrice radio

En 2012, j'ai organisé un dîner pour Pharrell dans le plus grand bungalow du Château Marmont. C'était l'année où il faisait la musique des Oscars, et la liste des invités était impressionnante : Cameron Diaz, Charlize Theron, Usher, Ellen Pompeo. Pendant la saison des Oscars, il y a tellement de fêtes, et il y a même eu d'autres fêtes au Château ce soir-là. Chanel a organisé une fête ce soir-là, et il y en a eu une autre pour L'artiste. André Balazs et Chelsea Handler sont entrés et ont dit : &ldquoCette fête est amusante, nous allons rester !» je leur ai dit qu'ils pouvaient&rsquot, et Chelsea a dit : &ldquoIl possède le joint » et j'ai dû lui dire qu'il le pouvait, mais c'était nous a été loué pour la nuit. Ils ont fini par entrer, mais je n'ai pas eu de place pour eux à table. Ce qui le rendait vraiment beau, c'est que les gens ne voulaient pas partir. Tout le monde est venu en disant qu'ils devaient probablement y aller plus tôt, mais ils ne l'ont pas fait. C'était une si bonne nuit.

Susan Gutfreund, décoratrice

Pour le 45e anniversaire de Valentino en 2007, les festivités à Rome comprenaient deux soirées de gala mémorables. Le premier était au temple de Vénus, où nous avons dîné pendant que des acrobates se produisaient au-dessus de nous et que des feux d'artifice remplissaient le ciel. La deuxième nuit était dans les jardins de la Villa ­Borghese, où nous avons été bercé par ­Annie Lennox. C'était un mélange incroyable de stars de la royauté et de cinéma et de tous les grands designers.

"Des nuits comme ça te font frissonner&mdashOMG, qu'est-ce que j'ai fait ?!"

Joey Jalleo, gourou de l'événementiel

C'était en 2010, et il n'y avait pas eu d'afterparty Met Ball officieuse depuis la fermeture du Bungalow 8 quatre ans plus tôt. J'ai obtenu la permission d'ouvrir la salle Boom Boom au Standard, où j'étais directeur des projets spéciaux, et j'ai envoyé une vingtaine de courriels à des amis qui seraient au gala. Je ne sais pas qui a dit quoi à qui, mais mon téléphone a rapidement commencé à exploser. À minuit, la salle était trop bondée pour bouger. Je peux citer des noms, mais je vais vous dire ce que j'ai vu : du sexe dans la salle de bain, des robes piétinées sur la piste de danse et une bagarre de premier plan à la table d'angle donnant sur l'Hudson. Des nuits comme ça te font frissonner&mdashOMG, qu'est-ce que j'ai fait ?!&mdashmais ce n'est pas toujours une mauvaise chose.

Maureen Dowd, chroniqueuse

Sue Mengers était un portail vers le Holly­wood amusant, sexy et glamour que j'aimais. Elle tirait l'une de ses "cigarettes drôles" d'une boîte en argent, se pelotonnait comme une odalisque dans un caftan rose et or comme un félin choyé sur son perchoir en velours, et donnait une performance hilarante, sensuelle, vulgaire et extrêmement peu PC pour les &ldquotwinklies&rdquo qu'elle avait rassemblés. La première femme à devenir l'Homme parmi les superagents d'Hollywood était un génie qui pouvait convoquer une cascade de stars à couper le souffle : Jack Nicholson, Warren Beatty, Annette Bening, Angie Dickinson, Lorne Michaels, Tim Robbins, Tina Fey, Tom Ford. Elle a souvent commencé par des histoires de stars avec lesquelles elle avait couché, juste pour faire avancer les choses. Personne ne craignait de finir dans une colonne de potins et personne ne se souvenait jamais de la nourriture. Une nuit, au plus fort de Des hommes fous folie, elle et moi avons dîné confortablement avec Jon Hamm. Un autre soir, Alessandra Stanley et moi avons eu un dîner de filles incroyable avec Sue&rsquos &ldquoswans, &rsquo&rsquo trois anciens clients avec qui elle est restée amie : Barbra Streisand, Ali MacGraw et Candice Bergen. Ali et Candy ont partagé des histoires sur leur travail avec Ryan O&rsquoNeal dans Histoire d'amour tandis que Sue&rsquos découpe en carton de Robert Evans&ndashAli&rsquos ex&ndash veillait sur nous. Après que Streisand ait passé pas mal de temps à parler d'une scène qui avait été coupée de La façon dont nous étions, et expliquant pourquoi la suite, La façon dont nous sommes, est tombé à travers, Sue a soufflé de la fumée, a levé son regard vers Streisand et s'est sèchement demandé : Les Hibou et le minou?&rdquo

Susan Fales-Hill, scénariste/productrice

En 2005, c'était l'ancien ambassadeur des États-Unis au Danemark (et mon père, colocataire d'université), John Loeb, 75e anniversaire, et sa désormais épouse, Sharon, ont organisé une fête au palais de Blenheim. Nous nous sommes tous rencontrés devant Claridge&rsquos à Londres, et ces magnifiques bus&mdashalmost Popemobiles&mdash nous ont conduits, et à notre arrivée, Handel&rsquos Water Music a commencé à jouer. Nous n'étions pas dans des calèches, mais c'était proche. Après un repas de quatre plats dans la longue bibliothèque, nous nous sommes rendus dans la grande salle pour danser toute la nuit. C'était un retour à ce que Blenheim devait être à l'époque de Consuelo Vanderbilt, quand c'était le lieu de fêtes extraordinaires. Le lendemain matin, il y avait un brunch à la maison du comte de Dartmouth & mdasha, un vrai régal, en particulier pour ceux qui auraient pu avoir un peu la gueule de bois.

Nell Campbell, actrice et propriétaire de club

Les années Nell&rsquos&mdashso pleines d'aventures. Les stars faisaient attention à ne pas se comporter méchamment en public, donc tout cela était réservé à mon bureau. Stevie Wonder a bu du Dom avec du jus d'orange et Peter Beard était entouré de jeunes femmes.

Tama Janowitz, it girl littéraire

La fête la plus magique à laquelle j'aie jamais assisté a eu lieu en 1987, quand Andy Warhol est mort, et c'était comme une étoile, une partie de la ville, en train de disparaître ou d'exploser. Les foules se sont rassemblées devant la cathédrale Saint-Patrick pour son mémorial, lorgnant les célébrités qui étaient habillées pour les Oscars. Vous avez peut-être assisté aux funérailles de Maria Callas ou d'Anna Magnani, il y avait un tel sens du glamour. Après le mémorial, l'amie la plus proche d'Andy, Paige Powell, et son associé Fred Hughes ont organisé une fête au Billy Rose & rsquos Diamond Horseshoe, une boîte de nuit disparue depuis longtemps. Je pense que cela remontait aux années 40 et qu'il n'avait pratiquement pas changé. Vous avez descendu un vaste escalier circulaire menant au sous-sol, et vous auriez pu être sur un plateau de cinéma avec une aura de glamour pourri d'une époque antérieure de Manhattan. Les gens à l'intérieur étaient les plus reconnaissables de la planète : des pop stars, des membres de la royauté, les fabuleusement riches, des stars de cinéma, des politiciens. Vous ne pouviez pas croire que vous étiez dans une pièce avec tous ces gens en même temps et ça n'avait aucun sens. Mais tous étaient amis avec cet homme modeste qui portait une perruque blanche parce qu'il était gêné d'être chauve.

Anna Shay, star de Empire bling:

J'aime toujours remercier les créateurs qui m'envoient des invitations lors de la Fashion Week de Paris. Les gens diront que si vous dépensez autant, vous obtenez une invitation, mais n'importe qui peut dépenser de l'argent pour moi, c'est penser aux designers en tant qu'artistes. Donc, chaque fois que je suis à Paris pour la Fashion Week, j'ai un dîner incroyable et je le dis moi-même pour les remercier. J'essaie toujours de trouver un endroit différent. Une fois, nous l'avons fait dans une maison qui a été transformée en restaurant, donc chaque pièce était différente. Il s'avère que c'était un bordel ! Au début, je pensais que non, nous le pouvions éventuellement, mais j'ai ensuite décidé, quel plaisir ! Les gens que nous avons pour le dîner sont étouffants, nous passons juste un bon moment.

Beaucoup de gens ne le savaient pas, même les Français. Il y avait un miroir dans chaque pièce, et on pouvait voir toutes ces égratignures dessus. Je me demandais pourquoi ils n'avaient pas simplement remplacé les miroirs, mais on m'a dit que cela faisait partie du restaurant que les hommes offriraient aux femmes qui y travaillaient des cadeaux, parfois des diamants, alors ils grattaient les miroirs pour s'assurer qu'ils étaient réels.

Chasse d'avril, DJ

L'une des meilleures soirées est ironiquement la dernière que j'ai faite en IRL, quelques jours avant la mise en quarantaine de NYC. It was a freezing downtown night during Armory Week, in celebration of the artist Nate Lewis&rsquo first solo show at Fridman Gallery on Bowery. It was one of those parties where the energy was so right. Everyone was dancing. Derrick Adams, Darío Calmese, and my girlfriend were battling it out on the dance floor as I played Zebra Katz and Baltimore club. You could feel the bass.

We had a surprise performance by the amazing London-based vocalist Cosima that took everyone&rsquos breath away. I believe that was her first performance of that scale in NY. As she was performing, there was this collector standing next to me by the DJ booth while I was holding one of her Pomeranian puppies. The pups were in Gucci regalia just like her&mdashonly in New York. The magic in that room was palpable, from Nate&rsquos soulful drawings that surrounded us to everyone&rsquos free-spirited energy. It&rsquos as if we knew this would be our last hoorah (in this way) for quite some time. The cherry on top, for me, was that my girlfriend proposed to me that same night.&rdquo

Andy Warhol

Wednesday, April 13, 1977: I was going up for cocktails and then dinner for Jean Stein at her sister Susan Shiva&rsquos apartment in the Dakota. I thought it couldn&rsquot be anything great, so I was 45 minutes late. The first person I saw when I walked in the door was Jackie O., looking beautiful. Then Norman Mailer&hellip

Sue Mengers was there, and she came over to me and said her knees were buckling, that she&rsquod never been to a party like this. Babe Paley and her chairman-of-CBS husband went by, and later when I saw Sue and Paley sitting together I remembered that Sue had told me in California that the only job she ever wanted was Paley&rsquos&hellip

Renata Adler, who writes for the New Yorker, was there with Avedon. She said she&rsquos going to law school now at Yale, but she thinks she&rsquoll maybe drop out. She says it&rsquos so hard, and that she can&rsquot remember anything. I had the first really nice talk with Jackie O., but I don&rsquot remember too much what it was about. Dennis Hopper told me he&rsquos directing Junkie, the William Burroughs bio, and I made a faux pas by telling him he should use Mick for the star because then Dennis said that he was the star.&mdashFrom The Andy Warhol Diaries

A version of this story appears in the April 2021 issue of Town & Country.
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Latest Updates

“What are they going to get from us? They are not going to get our history,” Lorenzo Borghese said over lunch at Bottega del Vino in Midtown Manhattan. “They believe they own my family’s history for everything.”

Kenneth L. Port, a law professor and director of the Intellectual Property Institute at the William Mitchell College of Law in St. Paul, Minn., said there were a growing number of disputes like this in the courts.

He cited the dispute between North Face and Jimmy Winkelmann, a 16-year-old who started a clothing line called South Butt and North Face. Chick-fil-A sued a Vermont folk artist over a trademark to the phrase “Eat More Kale,” which the company argues overlaps with its slogan “Eat More Chicken.”

“We’re seeing a growth because trademark owners are finding that the more kind of bullying conduct they do, the more the trademark is worth,” Mr. Port said. “They think they have to act like a bully to get the trademark stronger.”

But David S. Welkowitz, a law professor at Whittier Law School in Costa Mesa, Calif., said the Borghese case could not be considered bullying because “the Borghese family sold their rights to the name.”

For decades, the Borghese family and the Borghese cosmetics business coexisted with little dispute.

In 1976, Revlon bought the rights, title and interest to the Borghese cosmetics brand, including what court papers said were “the words and phrases BORGHESE, MARCELLA BORGHESE, PRINCESS MARCELLA BORGHESE.” In 1992, Revlon sold the Borghese company and Ms. Mosbacher became its chief executive and soon reached an agreement with the family for final payments, which also is a matter of dispute.

Over the years, Princess Marcella’s descendants carved out their own niches in the beauty business.

Francesco started his own line of beauty products in the early 1980s in the United States under names like Orlane, Perlier and Elariia, and starting in the 1990s, the family began appearing on the home shopping channel QVC and then, later, on HSN.

Relations with Borghese Inc., which is privately held, started to sour in 2006 when Lorenzo Borghese started working with ABC about possibly appearing on “The Bachelor.” Mr. Borghese contacted the company about serving as a consultant. The television program filmed a scene in the offices of Borghese Inc.

But after ABC issued a news release in 2006 that mentioned Lorenzo’s grandmother and said she had “started the famed self-named cosmetics line, Borghese Inc.,” Ms. Mosbacher wrote to Mr. Borghese warning him against “causing any false impression in the marketplace that there is a connection or relationship between yourself and Borghese Inc. and our cosmetics products.”

In 2008, the companies came to blows again when Lorenzo applied for a federal trademark for a line of pet shampoos and conditioners called “La Dolce Vita by Prince Lorenzo Borghese” for PetSmart. Borghese Inc. contested the trademark. As the trademark neared approval in 2010, Borghese Inc. sued.

The Borgheses say they are reaching their financial limits and have paid $4 million in legal fees. But Lorenzo Borghese says the case is worth pursuing for the family name.


Pauline Borghese

Beautiful and immoral, Napoleon’s sister, Pauline broke hearts all over Europe. It was said of her that she and Napoleon were both going to conquer Europe, but Pauline was going to do it one man at a time! There are many legends about the behavior of this scandalous woman.

Napoleon found his flirtatious young sister difficult to control and managed to marry her to the much older General Leclerc, who was the opposite of Pauline. Wealthy, serious and sickly, he was in charge of the French expedition to put down a black rebellion in Haiti.

When Pauline was ordered to accompany him she refused but Napoleon had her carried on board in a litter! She soon tired of the General, who must have bored her, and continued to have affairs on the island. When he became sick with yellow fever, however, she comforted him and when he died she cut off her beautiful hair which she buried with him.

Pauline traveled back in France and Napoleon again saw his scandalous sister’s behavior as a problem. When he noticed the incredibly wealthy Prince Camillo Borghese’s interest in his sister he saw it as the answer and Pauline married the Prince in 1803. The Prince owned the largest collection of diamonds in the world and a large art collection, part of which Napoleon purchased for the Louver at a discount.

During the marriage Pauline posed for the famous sculptor, Canova, as Venus. She had no qualms about modeling without her clothes which was regarded as very indecent at that time, especially for a member of the European nobility. According to Joan Marble in Notes from a Roman Terrace: “When a shocked friend asked her how she could bear to pose naked for the great artist, the lady replied that it was no trouble as the studio was heated.”

This sculpture which can be seen at the Borghese Gallery has been described thus: “Pauline Borghese’s smoothly sinuous flesh, and the plumped-up cushions on which she rests, are miracles of carving in marble – a skill in which Canova is unequalled among neoclassical sculptors.”

Prince Borghese, like Napoleon, found Pauline difficult to tame and even placed her under house arrest at one stage. He certainly didn’t care for her liking for spending money. Napoleon attempted to please her by having her made the Duchess of Guantella, but the spendthrift Pauline soon sold the Duchy to Parma for six million francs.

This marriage didn’t work out either. Pauline separated from her husband and continued to indulge her liking for parties and beautiful clothes. She also had many lovers. One of these was the great French actor, Talma. When they met at the French spa town of Aix-Les-Bains the actor was immediately smitten by the lovely and charming Pauline. Gossip arose which Talma deflected by pretending that the Princess made him read Moliere every night, but in his letters afterwards he begged her to meet him again. “…Pauline, Pauline, my heart is torn to pieces…,” he wrote when she wouldn’t see him. (Some of his letters are quoted in the article, ‘Talma and the Princess’ at TheatreHistory.com.) In these letters he wrote that he wrapped Pauline’s tresses in the handkerchief that she gave him and placed them next to his heart. Pauline eventually relented, agreeing to see the love-struck Frenchman, but their affair was not destined to end happily. The actor was just one of the many men with whom Pauline had affairs.

In spite of her promiscuous ways, Pauline was the only one of Napoleon’s siblings to remain faithful to her famous brother. She visited him on Elba, helped him with money, and wanted to help restore him to power. But she became ill and was forced to return to Italy where she died of cancer at only forty-four. A generous person, she left bequests to all of her large family.


Bernini at the Borghese

In Rome, Gian Lorenzo Bernini (1598-1680) is nearly unavoidable. Walk down the center of the Piazza S. Pietro and look up. All along the great curving wings of the Piazza’s colonnades stand Bernini’s saints–carved and executed by other sculptors, but envisioned by Bernini. There he is in Piazza Navona, with the Fontana dei Fiumi, or Fountain of the Four Rivers. Those are his angels on the Ponte Sant’Angelo. That playful little elephant bearing an obelisk in front of Santa Maria sopra Minerva? That belongs to him, too. Only by leaving the historic city center can one escape him. Much like Michelangelo, another sculptor turned architect and impresario, Bernini transformed himself from a maker of precious objects to a maestro whose vision re-shaped the city. If Bernini is synonymous with the Baroque, it is due to his success working on this grand scale, shaping and molding the fabric of Rome to suit the dreams and needs of the Church and its princes.

In the fall of 2017, a monographic exhibition on Bernini opened at the Galleria Borghese, curated by Anna Coliva (also director of the Borghese) and Andrea Bacchi (director of the Fondazione Federico Zeri in Bologna). By the curators’ own admission, there has been no shortage of Bernini-related exhibitions in the past decade. So why mount another one? Their rationale is deceptively simple: “We have attempted for the first time to cover Bernini’s whole career,” with the exception, of course, of those site-specific works (fountains, altars, the baldachin in St. Peter’s) that cannot be moved. What this means, in reality, is that the curators have collected an extraordinary range of freestanding works by Bernini and his workshop. The exhibition also includes Bernini’s paintings (seldom exhibited en masse), sculptures by Bernini’s father, Pietro, and preparatory works for monumental commissions like the Four Rivers Fountain.

Gian Lorenzo Bernini, Apollo and Daphne, Galleria Borghese. All photographs by Cynthia Houng

So much has been written on Bernini in recent years that it seems impossible to propose anything new. But the experience of encountering Bernini’s work is always new. Each encounter is a dance, a performance that requires the beholder’s participation. There are no passive audiences here. Bernini’s orchestration of the pilgrim’s approach to St. Peter’s exemplifies the performative, relational nature of his work. As a series of impressions leading the pilgrim out of the quotidian world and into another world altogether, the work is, to use the language of another time, site specific and performative, requiring activation by a participant in order to be complete. The power of the encounter, and the effect of the performance on the participant-beholder–Bernini’s partner, really, in the work–is ecstatic. In Rudolf Wittkower’s evocative description, the performance of approaching St. Peter’s cathedral via the Piazza transports the viewer “beyond the narrow limits of his own existence and be entranced with the causality of an enchanted world.” In St. Peter’s, “the beholder finds himself in a world which he shares with saints and angels, and he is therefore submitted to an extraordinarily powerful experience. A mystery has been given visual shape, and its comprehension rests on an act of emotional participation rather than one of rational interpretation.”

“The challenge that Bernini set himself in his religious architecture,” Fabio Barry argued, “was always to create visions whose credibility depended upon them being experientially fleeting but permanent in the mind. God had created a heaven, but because its unveiling at the end of time was eternally distant yet perpetually imminent, Bernini must create a heaven just for us.” And who wouldn’t want to experience heaven again and again, each time anew? And so both scholars and laypersons find themselves drawn back to Bernini, each return an attempt to parse their own experiences of Bernini’s art.

The Borghese show makes full use of the relational, performative aspects of Bernini’s work. It is an object-oriented show in the fullest sense, all of its arguments and propositions originate in the objects gathered for the exhibition, in the relationships formed between them, and in the possibilities of close observation and comparison. It invites the visitor to participate in a hermeneutics of looking.

The show is both ambitious and ravishing. It makes full use of the Villa Borghese’s fabulous setting, occupying both the ground floor galleries (where Bernini’s Apollo and Daphne has resided since its creation), and the smaller, more intimate rooms on the second floor. The Metropolitan Museum of Art’s 2012 exhibition, “Bernini: Sculpting in Clay,” was a marvel, but the show was installed in the antiseptic Lehman wing. The Met did not have the benefit of the Borghese’s setting, with its sumptuous ornamentation and rich installations of Old Master paintings and Classical sculptures. Though the Borghese was largely redone in the eighteenth century (by the architect Antonio Asprucci, under the patronage of Prince Marcantonio Borghese IV), it had always served as a site for the display of art. These eighteenth-century renovations codified the building’s role as a site for the display of art. In her study of Asprucci’s renovation of the Galleria Borghese, Carole Paul noted that “Asprucci coordinated the decoration of each room to form a sumptuous ensemble unified in form and content, including the statuary.” Asprucci took everything–from the marble floors to the carved cornices–into consideration, creating new juxtapositions between the paintings, sculptures, and their environments. He also shifted Bernini’s statues, David (1623) and Apollo and Daphne (1622-25), from their original seventeenth-century locations. Today, neither sculpture can be viewed as Bernini intended. Though one can no longer see Bernini’s sculptures in their seventeenth-century settings, the richness and intensity of the Borghese’s environment is closer to how these works were meant to be seen than the clean, white galleries of the modern museum. More importantly, the placement of Bernini’s sculptures in the Borghese maintains their connection to the painting of his time, a connection that is particularly important to the argument of the Borghese’s “Bernini” show, which dedicated an entire section to Bernini’s own practice of painting.

Due to its constraints, “Bernini” is more heavily weighted towards the artist’s production for private patrons. However, Bernini’s greatest patron was the Church. As Wittkower noted in his 1955 study of Bernini (the first English-language study of Bernini intended for a broad audience): “it was Bernini’s tremendous achievement in the area of the Vatican that secured his reputation as the first artist of Europe.”

Appropriately, for our secular age, the major patrons of the Bernini exhibition at Villa Borghese were a bank and a fashion house–Intesa Sanpaolo and Fendi. And this is no accident. If, in Bernini’s time, the Church was the greatest orchestrator of spectacle, then commerce must be the Church’s contemporary analogue. We have grown comfortable with the imbrication of aesthetics and capital. We have even come to expect it. When I saw that Fendi sponsored the Borghese’s Bernini show, my first reaction was, “Of course.” Fendi has been funding various cultural initiatives around Rome, where the house has its headquarters, as part of the house’s mandate to invest in the city’s cultural capital. (Fendi also sponsored the restoration of the Trevi Fountain.) My second reaction was to note the exceptionally spectacular quality of the exhibition’s presentation–the display cases, the lighting, the installations, the quality of the fixtures–which matched the quality and finish of those intended for luxury boutiques.

Installation View, Sculptures by Gian Lorenzo and Pietro Bernini, Galleria Borghese

The Borghese’s “Bernini” exhibition presents a narrative weighted towards the earlier stages of Bernini’s long career. This emphasis was dictated, in part, by the show’s constraints: it could rely only on freestanding, movable works to make its arguments, and much of Bernini’s later output can be characterized as site-specific installation work, literally inseparable from its architectural setting. (The Cornaro Chapel is not going anywhere.) Walking through the show, visitors witness how Bernini became Bernini. The show presents some of his earliest works–including collaborations with his father, Pietro as well as early independent works. Pietro Bernini’s sculptures are also part of the Borghese presentation, and through the younger Bernini’s sculptures we witness Gian Lorenzo’s talent unfurling.

Model for the Four Rivers Fountain, Galleria Borghese

Installation view of bozzetti and modelli, Galleria Borghese

More interesting–and startling–is the development of Bernini’s aesthetic, the emergence of a strong and powerful stylistic vision, though again the show references Bernini’s mature works largely through proxies–through sketches and models for large-scale projects such as the Four Rivers Fountain, Cathedra Petri, and Ponte Sant’Angelo. And for almost all of Bernini’s works–even the bozzetti et modelli–there is always the question of authorship, of hands and facture. (The Met show addressed this problem of the “hands” in remarkable, technical detail.) The Borghese show is less interested in these questions. The curators take it as givens that Bernini operated a large workshop, and that he often outsourced work to other sculptors. As Bacchi and Colivo note in the introductory essay, the show aimed for “a direct dialogue with the works,” and many of the objects are on display together for the first time. The two monumental crucifixes have never been gathered in the same space before.

The show also invites viewers to consider different facets of Bernini’s practice in relation to each other. At the Borghese, visitors can view Bernini’s early putti in relation to his classically-inspired sculpture, The Goat Amalthea (an early work dated before 1615, probably made when Bernini was about 16), in relation to his restoration of ancient Roman sculptures–such as his restoration work on the famous Hermaphrodite sculpture, and to the angels and putti that he imagined for the Ponte Sant’Angelo and the Baldachin and Cathedra Petri projects in St. Peter’s cathedral.

A room full of bozzetti, Galleria Borghese

Installation View, Portrait busts and paintings, Galleria Borghese

The portrait busts and paintings, displayed together in one long gallery, form an interesting dialogue. Bernini is not often thought of as a painter. The paintings gathered for this exhibition will probably not elevate him to the pantheon of great painters, but they are very interesting as windows into his creative practice. They also provide us with clues to his relationship with the painting of his time. And the Borghese, with its impressive collection of Old Master paintings–though several of the Borghese’s most important Caravaggio paintings were on loan to the Getty during this show–provided an apt location to think about Bernini’s style and aesthetic in relation to the painting of his time.

Tightly focused on Bernini, this show was both an investigation and a celebration. It is a testament to Bernini’s magnetism as a subject that the wider world seems to pull in and collapse around him. The Roman Baroque narrows down to the Age of Bernini. The show is both spectacular and ravishing, and it reminds us of how far we can go–how much we can do–with an intense focus on the works themselves. It is their world that we wish to enter. And once there, we linger in pleasure.

At the same time, the Borghese show does not present the full breadth of Bernini, the man, or Bernini, the artist. It is a highly specific vision, one that presents him as a great genius, on par with the other “giants” of Italian sculpture named by the show’s curators in their introduction: Donatello, Michelangelo, Canova. Bernini had another side, one not revealed in this show. As Alexander Nagel once pointed out, “Just about everyone who knew him hated him.” He was domineering, violent, and ruthless. He slashed his mistress’s face in anger. One didn’t have to have to know Bernini to loathe him. In his biography of Bernini, Franco Mormando quotes anonymous pasquinades directed at Bernini, critiques affixed by unhappy Romans to the statue of Pasquino in the Piazza di Parione. The expensive transformation of the Piazza Navona by the Pamphilj family–which included the construction of Bernini’s spectacular Four Rivers Fountain (completed in 1651)–elicited such pasquinades as “Dic ut lapides isti panes fiant [Turn these stones into bread]!” Ordinary Romans, tired of poverty and hunger, railed against the Church’s immense expenditures on projects that did not benefit the populace.

Mormando quotes an impressive kaleidoscope of criticisms, describing Bernini as selfish and avaricious, and accusing him of robbing the papal treasury to enrich himself. Mormando cites an avviso from August 30, 1670, blasting Bernini as “the one who instigates popes into useless expenditures in these calamitous times.” By this time, Bernini was a wealthy man. (Pietro da Cortona was one of his few contemporaries who achieved comparable levels of wealth, and Cortona was, by all measures, also not a very nice man.) The construction of the Piazza San Pietro, with its colonnades and statues, cost 1 million scudi, roughly half of the Church’s yearly revenue. For Bernini’s critics, whether or not ordinary Romans enjoyed the aesthetic experiences of encountering the Four Rivers Fountain or progressing through the Piazza San Pietro was beside the point. Aesthetic pleasure provided no relief from poverty: “We don’t want obelisks and fountains it’s bread we want!”

In 2017, Fendi initiated a three-year partnership with the Galleria Borghese, providing support for the establishment of a Caravaggio Research Institute. This description of the partnership between Fendi and the Borghese comes from the press release for the “Caravaggio” exhibition at the Getty Museum: “The partnership between the Galleria Borghese and FENDI is part of a patronage begun by the luxury goods House in 2015, and is based on the company’s belief that beauty must be shared and spread, and that the incomparable richness of the Galleria Borghese, a reflection of the Eternal City, is a powerful, cosmopolitan pathway to promote a refined cultural sensitivity, both contemporary and universal, in the same way that FENDI pursues in its collections a true example of aesthetic research and the absolute sign of ‘Made in Italy.’”

In our time, commerce has replaced the church as art’s great patron. Private sponsorship of public patrimony raises difficult questions–of appropriation, commodification, profit, and control. It pulls the public patrimony into a process where values inherent in the cultural ‘patrimony’ or ‘heritage’–sometimes called ‘heritage values’–are captured, accumulated, and commodified by private entities. The process is widespread enough to merit its own neologism,“heritagization.” And it is almost always twinned with commodification. Salvatore Settis has written and lectured extensively–and passionately–on this subject, arguing that the transformation of cities rich in cultural heritage–such as Venice and Rome–is almost always accompanied by ossification and decline, as the city ceases to be a city for the living and transforms into a museum city, a set piece for the delectation and consumption of tourists. And yet the profits from the heritagization process flow, not to the public, but to the private entities who sponsored–capitalized, really–the process. As Pablo Alonso Gonzalez noted in his study of the heritagization process in Maragateria, Spain, the process can alienate the community from its heritage or patrimony, eliciting resistance and even fury from community members.

The relationship of the past to the present is always tricky, but perhaps exceptionally so in a place like Italy, where the past is all pervasive, where there is so much value to be extracted from the past (via industries like tourism), and where the past weighs heavily upon the present. History can feel, at times, like a straitjacket upon the present, as the city ossifies into an open-air museum. There is the Rome for the past–but where is the Rome for the living?

Fendi is not the only Italian luxury house to invest in Italy’s cultural heritage, in order to capture and accumulate “heritage values.” Tod’s sponsored the restoration of the Colosseum. Bulgari chose to restore the Spanish Steps. Telecom Italia (also known as TIM) is sponsoring the “re-launch” (the verb employed in the press release announcing the project) of the Augustus Mausoleum through its Fondazione TIM. But investment in Italian cultural heritage is not limited to Italian entities. In a 2014 interview with the New York Times, the minister of culture, Dario Franceschini, said, “Our doors are wide open for all the philanthropists and donors who want to tie their name to an Italian monument. We have a long list, as our heritage offers endless options, from small countryside churches to the Colosseum. Just pick.”

Sponsorship isn’t the only mode of privatization. In a 2007 article, Roland Benedikter noted that a set of laws, introduced in 2002, allowed the Italian government to sell objects and monuments “to international investment firms and private investors for amounts that many Italian experts consider well below the median market price.” Benedikter noted that, since 2002, the privatization of Italian cultural heritage has been “the subject of heated public debate [for it] concerns the limits of privatisation, and could lead to a broad new anti‐capitalism movement.” Settis, too, frames his argument in terms of opposition not only to commodification but also to neoliberalism.

One might argue that Bernini would have understood this process–that, perhaps, he would have encouraged and embraced it. After all, only a hair’s breadth separates the tourist from the pilgrim, and Rome made a mint off pilgrims. (Rome continues to make a mint off pilgrims. The 2000 Jubilee drew 35 million visitors to Rome.) But one might also argue that we live in different times, with different ethics and ideals–and the society we wish to live in looks nothing like the one Bernini knew.

Our wishes, though, are not always consonant with our realities. Neoliberalism, globalization, and capitalism have all incited resistance and fury from the people of Rome. I am no expert on the intricacies of Roman or Italian politics, but it would not be an exaggeration to say, given the recent elections, that Italy is in a difficult place. And– Bernini would also have been familiar with this–the fury of the people is neither predictable nor easily channeled. We don’t want obelisks and fountains it’s bread we want.

Or perhaps more pointedly: We don’t want to live among the patrimony of the past. Nor do we want to alienate our heritage to enrich certain select private coffers (does this sound familiar, again?). We want to be able to create a patrimony that we can call our own.

Bernini was on view at the Galleria Borghese in Rome from Nov. 1, 2017 – Feb. 4, 2018. The exhibition was accompanied by a catalogue (available in Italian or English).


Alessandro Borghese Height, Weight, Measurements, Shoe Size, Biography

Alessandro Borghese Height, Weight, Measurements, Shoe Size, Biography. Alessandro Borghese is an Italian Chef and Television Personality. He became popular for hosting various cooking TV shows in Italy as well as Alessandro Borghase 4 Ristoranti, Cucina con Ale and Alessandro Borghese Kitchen Sound. He has worked as a judge for Junior MasterChef Italy.

Alessandro Borghese was born on 19 November 1976 in San Francicso, California, United States of America. His Age is 43 Years Old and Zodiac Sign is Scorpio. Her father named Luigi Borghese and Barbara Bouchet. She has a younger brother Massimiliano Borghese.

Alessandro Borghese got married to Wilma Oliviero on year of 2009. She has two children. She studied from the Rome International School.

Alessandro Borghese height is 6 feet 1 inches tall and her body weight is 79 kilograms. Her hair color dark brown and eye color dark brown.

Alessandro Borghese Personal Information

  • Date Of Birth: 19 November 1976
  • Age: 43 Years Old
  • Birth Place: San Francisco, California, USA
  • Birth Name: Alessandro Borghese
  • Nickname: Alessandro
  • Zodiac Sign: Scorpio
  • Occupation: TV chef.
  • Nationality: Italian
  • Race/Ethnicity: White
  • Religion: Unknown
  • Hair Color: Dark Brown
  • Eye Color: Dark Brown
  • Sexual Orientation: Straight

Alessandro Borghese Body Statistics

  • Weight in Pounds: 174 lbs
  • Weight in Kilogram: 79 kg
  • Height in Feet: 6′ 1½”
  • Height in Meters: 1.87 m
  • Body Build/Type: Average
  • Shoe Size: N/A

Alessandro Borghese Family Details

  • Father: Luigi Borghese (Film producer)
  • Mother: Barbara Bouchet (Actress)
  • Spouse: Spouse: Wilma Oliviero (m. 2009)
  • Children: Arizona Borghese (Daughter), Alexandra Borghese (Daughter)
  • Siblings: Massimiliano Borghese (Younger Brother)

Alessandro Borghese Education

Alessandro Borghese Facts

  • He is the eldest son of actress Barbara Bouchet and Luigi Borghese.
  • He owns a company, AB Il Lusso Della Semplicitá, dedicated to banqueting and catering for major events.
  • He dub Morad Sumar in the animated series Star Wars Rebels

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Revlon sold the successful cosmetics company to Saudi investors in 1991, according to the Los Angeles Times, and Georgette Mosbacher, the former owner of La Prairie, was hired soon-after as its CEO.

Meanwhile, Prince Lorenzo, who in August last year appeared on the UK's 10th season of Celebrity Big Brother, has continued to sell products like his pet line, Royal Treatment, on various Web sites and the Home Shopping Network (HSN ), using his family’s history in his marketing.

Borghese cosmetics: Founded by Princess Marcella Borghese, Prince Lorenzo's grandmother, in 1958 as a subsidiary of Revlon, it was sold in 2000 and Georgette Mosbacher was hired as CEO

Prince Lorenzo launched Royal Treatment in 2002 then in 2008, Lorenzo and his family applied for a trademark for a new line, called Prince Lorenzo Borghese’s La Dolce Vita .

Borghese Inc. filed a complaint against Prince Lorenzo, several members of his family and HSN, claiming the 'defendant’s unauthorized use of the Borghese brand. is likely to cause confusion or mistake.'

Members of the Borghese family filed counterclaims against Borghese Inc., but they were dismissed by a judge earlier this year.

A trial date for the case is expected to be determined after April 15, the deadline for pretrial filings .


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Neoclassicism and Romanticism

NAPOLEON, THE SUPREME NEOCLASSICAL HERO

General Napoleon Bonaparte was 28 when he first visited David's studio. David regarded him as a hero: when he was in danger because of his friendship with Robespierre, Napoleon offered him a secret hiding place in his encampment in Italy. Seeking to glorify the emperor's image. David painted him crossing the Alps on 20 May 1800. He is depicted against a mountainous background, advancing not on foot but. unrealistically, on horseback. As fiction and reality-merge, he assumes a dramatic, mythical dimension. Napoleon's exploits were documented on canvas by a variety of European artists. His career from general to emperor and king was depicted in larger-than-life historical imagery: he is seen beaten back from the Alps like Hannibal: victorious in Egypt like Caesar and restored as emperor like Charlemagne. For about twenty years, Napoleon, who was neither handsome nor athletic, was wholly transformed by artists into the supreme Neoclassical hero. The entire Bonaparte family was made the subject of work by the great Neoclassical sculptor Antonio Canova (1757�). Napoleon's sister was portrayed as a Roman goddess in Pauline Bonaparte Borgbese as Venus Victorious (1804-05), while his mother, Letizia Ramolino, was the model for a terracotta in the collection at Possagno, Canova's birthplace. The sculptor also created a heroic nude marble statue of Napoleon, endowing him with all the qualities of a Greek god -just as the Romans had portrayed Augustus as divine and the young Marcellus as a 'prince of youth". Titré Napoleon as Mars the Peacemaker, the statue was later duplicated in bronze ( 1811 ).


Roman statue of
Marcus Claudius Marcellus
Musee du Louvre, Paris.
The young nephew and son-in-law of Augustus, who died in 23bc, is portrayed in heroic nude pose as princeps uventutis, the heir apparent of his uncle.


Antonio Canova
Napoleon as Mars the Peacemaker
1803-08
Apsley House, London
Canova's heroic nude, shown advancing victoriously bearing an orb, a sceptre, and the imperial mantle, was not to the emperor's taste.


Antonio Canova
Napoleon as Mars the Peacemaker
1810
Louvre, Paris


Antonio Canova
Pauline Bonaparte as Venus Victorious
1804-1805
Hermitage, St Petersburg


Antonio Canova
The Three Graces
1816
Hermitage, St Petersburg


Antonio Canova
Venus Italica
1804-12
Pitti Gallery, Florence

The theme of Venus, as a single figure or part of a group, standing erect or reclining, recurs in the work of Canova, who used it to express sensual beauty and divine dignity.

Having completed his early studies between Pagnano, near Asolo, and Venice, Antonio Canova (1757-1822) established his career in Rome in 1779. His commissions alternated between much-admired papal monuments (Clement XIV and Clement XIII) and secular subjects, but he declined invitations to attend the Russian Court, unlike his friend Giacomo Quarenghi, who had gone there in 1779. Canova went to Vienna in 1798 to fulfil a commission for a monument of Maria Christina of Austria for the Augustine Church. In the same year, France made Rome a republic and paid the artist a great tribute by electing him a member of the National Institute and appointing him Inspector General of Antiquities and Fine Arts for the State and Church.
He went to Paris in 1803 to paint Napoleon and plan a colossal statue of the emperor as "Mars the Peacemaker". In 1815, he was asked by the Papal State to recover works of art confiscated by the French. Before his return to Italy, he was invited to London to give his opinion on the authenticity of the Elgin marbles. At the age of 65, he returned to Venice, where he died.


Canova Antonio
b Possagno, nr Treviso, 1 Nov 1757 Venice, 13 Oct 1822.
Italian sculptor, painter, draughtsman and architect. He was the most innovative and widely acclaimed sculptor of NEO-CLASSICISM.
His development during the 1780s of a new style of revolutionary severity and idealistic purity led many of his contemporaries to prefer his ideal sculptures to such previously universally admired Antique statues as the Medici Vénus and the Farnese Hercule, thus greatly increasing the prestige of ‘modern’ sculpture. He was also much in demand as a portrait sculptor, often combining a classicizing format with a naturalistic presentation of features.



Antonio Canova
Cupid and Psyche
1796
Hermitage, St Petersburg


Antonio Canova
Danzatrice con dito al mento
1814


Antonio Canova
Danseur
1812
Hermitage, St Petersburg


Antonio Canova
The Repentant Mary Magdalene
1809
Hermitage, St Petersburg


Antonio Canova
Bust of a Vestal Virgin


Antonio Canova
The Genius of Death
Hermitage, St Petersburg


Antonio Canova
Nymph


Antonio Canova
Paris
Hermitage, St Petersburg


Antonio Canova
Hélène


Antonio Canova
Hebe
1805
Hermitage, St Petersburg


Antonio Canova
Cupid and Psyche
1808
Hermitage, St Petersburg


Antonio Canova
Theseus and Centaur


Antonio Canova
Cupid
Hermitage, St Petersburg


Antonio Canova
Maddalena Penitente
1809
Hermitage, St Petersburg


Antonio Canova
Dedal and Icarus


Antonio Canova
Cain
1846


Antonio Canova
Orpheus
1770
Hermitage, St Petersburg


Antonio Canova
Apollo crowning himself


Antonio Canova
Persée avec la tête de Méduse
1806
Metropolitan Museum of Art, New York

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The Bachelor Less Italian and Princey Than Originally Thought

Lorenzo Borghese, the latest meat puppet being fought over by 25 single ladies on the new season of The Bachelor, is turning out to be less charming prince and more average Joe (making it the most true-to-life reality show in recent history).

Though 34-year-old "Italian prince" Lorenzo Borghese calls Rome his "second home," a member of the Borghese family tells Radar that Lorenzo never even visited the city before signing on for The Bachelor.

Also being called into question is where Borghese is really from. Though ABC's Web site claims he was born in Milan and raised in Connecticut, his parents, Princess Amanda Borghese et Prince Francesco Borghese, have lived in Short Hills, New Jersey, since 1979, and his permanent addresses prior to 2001 all list him as a resident of the Garden State.

A source tells Radar that after discovering that Borghese speaks only "menu Italian," the show's producers enrolled Borghese in an intensive Italian language course before filming began. (A spokesman for ABC denies knowledge of the course.)

The title is real, though it doesn't translate into a castle and throne (titles haven't even been recognized in Italy since 1947).

The Borghese family is said to be deeply embarrassed by Lorenzo's participation in the show, though his recent foray into the Borghese Cosmetics line hardly bolstered his pedigree.

Lorenzo's contribution to the family business? A line of doggie grooming products called Royal Treatment Pet Care, including the Stinky-B-Gone odor fighting kit, the Pumpkin Patch spritz, and the After Bath Pet Robe. The latest incarnation of The Bachelor premiered last night.

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Voir la vidéo: Roman Mikhalev. Soirée dAdieux. Triptyque (Juillet 2022).


Commentaires:

  1. Esdras

    Entre nous, j'aurais allé dans l'autre sens.

  2. Fenrijind

    Oui, c'est l'histoire de monte

  3. Fearcher

    Je pense que vous n'avez pas raison. Je peux le prouver. Écrivez-moi en MP, on en parlera.

  4. Xavier

    Je ne comprends pas ce qui se passe, mais mes 2 photos actuelles ont été chargées. (((Et enfin tu as aimé ! :)

  5. Weylin

    C'est tout simplement une excellente phrase

  6. Bevan

    Cela semble complètement attrayant



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